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Exposiciones - CEART (Centro de Arte Tomás y Valiente)

El Centro de Arte Tomás y Valiente (CEART) inició su andadura el 5 de abril de 2005 con la voluntad de convertirse en un espacio de encuentro y referencia.

Desde su apertura, más de cuatrocientas exposiciones han dado cuenta de lo más notable de la producción artística contemporánea y sus salas han albergado y albergarán la obra de artistas de la talla de Miró, Calder, Isabel Muñoz, Palazuelo, Tàpies, Ouka Leele, Pierre Gonnord o Carmen Calvo entre otros.

Acuerdos con centros de arte y museos como el Museo Nacional de Arte Reina Sofía, Fundación La Caixa, Aena, MACUF, Kurtsverein de Stuttgard,  etc., han permitido un interesante flujo de energías que han posicionado al Centro de Arte en la primera línea del panorama de las Artes Visuales.

En este apartado pueden encontrarse todos los catálogos editados por el CEART que dan testimonio de su intensa y fructífera vida.

Para una mejor localización aún, estos fondos están identificados con el distintivo CEART.

Horario de las exposiciones:
De lunes a domingo de 17.00 a 21.00 horas.
Calle Leganés, 51.
Teléfono 91 492 11 20.












Convocatoria de exposiciones CEART Tomás y Valiente 2018 - 2019. (pincha aquí para descargar el boletín de solicitud).


salaA Sala A




RAFAEL CANOGAR
AYER HOY
Del 25 de Mayo al 23 de Julio

Comariada por Alfonso de la Torre

La exposición plantea un acercamiento a la obra de este fundamental artista, Rafael Canogar (Toledo, 1935), a través de una completa revisión de su trayectoria. Una muestra de tipo retrospectivo más que pretende mostrar, mediante la medida selección de diversas obras de diferentes períodos, cómo las búsquedas de Canogar, en el pasado o en la actualidad (de ahí el "ayer hoy"), han sido las de un artista constante. Seleccionando unas sesenta pinturas de medio y gran formato, desde su período de formación, años cincuenta, hasta la actualidad.


Visitas guiadas todos los viernes, sábados y domingos a las 18:00 y 19:00 H.





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salaB Sala B

Okuda San Miguel
EL JARDÍN DEL KAOS


Del 25 de Mayo al 23 de Julio

Okuda San Miguel manifiesta en su obra sus inquietudes existenciales a través de una particular visión del mundo que nos rodea, en el que la naturaleza y la evolución de la sociedad industrial y tecnológica arrojan discutibles certezas, frecuentes contradicciones y necesarias intuiciones. Un mundo en el que divisa una dualidad entre lo que vemos, tocamos y vivimos frente a lo que pensamos, sentimos y expresamos. Dos planos en los que divagar de forma distinta pero complementaria que nos hacen entender y dudar al mismo tiempo de los límites de nuestro entorno y del camino a seguir.

El Jardín del Kaos, en referencia a El Jardín de las Delicias de El Bosco, se observará el tránsito entre la noche y el día que marca los límites del universo propuesto. En el primero de los espacios encontraremos referencias al día, a la realidad finita que nos rodea, a lo orgánico, a lo figurativo, mientras que en el segundo encontraremos referencias a la noche, al universo y a la abstracción. Ambos espacios rodeados de espejos que completarán la experiencia de la obra distorsionando la percepción de dónde están los límites para evidenciar visualmente el concepto de un universo infinito que recorrer. 

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salaC Sala C

CARLOS RODRÍGUEZ "El alquimista de instantes"
Del
 25 de mayo al 13 de junio
Natural de Arbo, Pontevedra, España. A los 19 años, en 1970, fija su residencia en Zurich (Suiza), donde se forma profesionalmente durante cinco años. A su regreso a España y desde Vigo, inicia su trayectoria profesional con colaboraciones en los medios de comunicación nacionales y gallegos.
"Con una formación y trayectoria muy singulares en el mundo de la fotografía, el trabajo de Carlos Rodríguez revela una inequívoca señal de identidad: la sustantivación de los ideales de la cosmética y la eficacia del maquillaje como paliativos convincentes ante la adversidad del horizonte dispuesto a la mirada.
¿Qué quiere decir esto? Que su obra es un ejercicio sistemático de restitución de la cosmética de lo cotidiano, maniobrando las virtudes de una observación que busca en lo real los signos de lo bello. Rodríguez es un rabioso hedonista, un constructor de belleza, un incitador del contraste, un hacedor de espacios de luces y sombras en los que el objeto (o sujeto) de cada fotografía suya se eleva al status de una "visión privilegiada". No se trata aquí de ese hacedor de imágenes que busca en los mundos prohibidos o en los espacios vírgenes de interferencias la sed de una imagen nueva e impoluta, por el contrario. Hablamos de un fotógrafo de raza que atribuye belleza sustancial y armónica a los accidentes de lo real.

Puede entenderse el trabajo fotográfico de Carlos Rodríguez como una clarísima y meridiana "operatoria de asignación", o sea: asignar belleza al cuerpo de lo real, focalizar sus virtudes frente a la aspereza del ojo. Sus fotos buscan dar fe de ese cosmos que los antiguos griegos entendían como un estado de confluencia (y de convivencia) entre la belleza y el orden. Sus fotografías son casi matemáticas en cuanto a exactitud y casi clínicas en lo que a pulcritud se refiere. La fotografía es la técnica de captar imágenes permanentes con una cámara, por medio de la acción fotoquímica de la luz o de otras formas de energía radiante, para luego reproducirlas en un papel especial. Esa transferencia, ese proceso que a la larga se instrumentaliza termina por producir los signos de una nueva escritura.

Carlos habita en ese limbo, en ese sitio de ambigüedad y de resistencia en el que la imagen nos redime de nuestra animal humanidad." Andrés Isaac Santana.


 

Juan Carlos Pérez Balseiro "Prefiero hundirme en el mar"
Del
 25 de mayo al 13 de junio
Cuba. 1971. Se formó en la Escuela Nacional de Arte (ENA) Ciudad de la Habana (1986-1990)  y desde 2003 es miembro de la Unión Nacional de escritores y artistas de Cuba (UNEAC). Miembro fundador de la brigada Martha Machado, creada por el artista de la plástica Alexis Leiva Machado (Kcho).

"Prefiero hundirme en el mar"  es un proyecto de desarrollo tanto artístico como personal, que J.C.B lleva realizando durante los últimos años y que por primera vez lo va a mostrar.

Cuando uno se acerca a la obra de Juan Carlos Balseiro y empieza a conocer cuáles son sus procesos creativos, comprende que se encuentra ante un artista diferente, con un nuevo proceso estructural tanto de pensamiento como de conceptualización.

Su trabajo  comienza en un proceso activo, necesita hacer para percibir y después crear. Cuando una idea irrumpe en su cabeza, normalmente onírica, ingenua a la par que reflexiva,  necesita trasladarla a lo real en un largo proceso de concreción y ejecución del pensamiento mágico,  y una vez realizado el proceso vivencial de la idea, con todos los lugares por donde uno transita en ese laberinto de llevar a la realidad sus sueños, comienza el proceso pictórico.

El proceso vivencial ocurre cuando el artista se involucra y participa en la actividad, interioriza sobre lo acontecido, extrae lo importante desde el análisis introspectivo de lo vivido e incorpora su creatividad al servicio del proceso artístico.
Esto es posible gracias al proceso de autodescubrimiento que se promueve, lo que garantiza que el conocimiento que se genera, surja como consecuencia directa de la experiencia del individuo y no como resultado de una transferencia de saberes desde un tercero.
Por eso yo me atrevería a denominar a J.C.B como un artista VIVENCIAL. Donde sus pinturas y sus instalaciones surgen del proceso de la acción vivida y hasta que ésta no se ha producido el proceso está inacabado, incompleto. Únicamente cuando esa vivencia pasa por sus sentidos puede exteriorizarla y comunicada al exterior.

"Vivencia, es el hecho de experimentar algo, y su contenido o el hecho de vivir o estar vivo".
"La sabiduría no es transferible; debe ser descubierta personalmente en una travesía que nadie más puede recorrer por nosotros". Marcel Proust.



 

La Asociación Cultral Magenta "XIX Salón de Primavera, 2017"
Del
 25 de mayo al 13 de junio
La Asociación Cultural Magenta, organiza del 25 de mayo al 13 de junio, la XIX edición de la exposición-concurso entre los  socios, Salón de Primavera, y que como cada año, será en el CEART (Centro de Arte Tomás y Valiente), de Fuenlabrada.

Este año celebramos el 20 aniversario de La Asociación Magenta. Nuestra asociación acumula ya una larga experiencia en su trayectoria y se ha ganado un lugar en la vida cultural de Fuenlabrada. Muchas gracias a todos los artistas que han estado y están en ella. Gracias también a todos los que habéis seguido nuestra andadura. Nosotros hemos disfrutado haciendo lo que mejor sabemos hacer: pintar. Si hemos conseguido que nuestros trabajos os hayan gustado, emocionado, e incluso ilusionado, nos damos por satisfechos y ello nos anima a seguir adelante con renovados ánimos.

El Salón de Primavera es una exposición concurso entre los propios socios de Magenta, siendo ya una muestra de gran arraigo dentro de las actividades de esta entidad, en ella participan los componentes de Magenta,  con una obra cada uno, siendo de libre elección el tema y la técnica empleada, pues la asociación ha apostado por la pluralidad de estilos, y apoya la personalidad  de cada artista que componen la asociación.
La técnica más empleada es el óleo, pero también podemos encontrar acuarelas, pasteles, dibujos y alguna escultura y los temas van desde los paisajes, composiciones, retratos, etc.
Cada socio dispone de diez puntos que debe repartir entre las tres obras que más le guste, y de esa votación saldrá el ganador y tres Menciones de Honor; por otra parte, el público visitante también tiene la oportunidad de elegir una obra como ganadora, del premio por votación popular, para ello dispone de unas papeletas y una urna en la sala.
La entrega de premios se realizará en la cena anual de Magenta, en esta ocasión el viernes 13 de mayo.

El Salón de Primavera es un clásico tanto dentro de las actividades de Magenta, como en el panorama cultural de la ciudad, son muchas las personas que van haciendo un seguimiento de la evolución artística de Magenta y su implicación en la votación popular les motiva y atrae a visitar la muestra.
Evaristo Palacios
Presidente A. C. Magenta 

Luciana Rago Ferrón
Del 15 de junio al 23 de julio

Luciana Rago nació en San Juan, Argentina en 1982. Obtuvo el profesorado en Artes Plásticas (2005) y la Licenciatura en Artes Visuales (2008) en la Universidad Nacional de San Juan. Posteriormente cursó un Máster en Arte Latinoamericano en la Universidad Nacional de Cuyo y el Máster en Investigación y Creación en Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Desde 2012 trabaja ininterrumpidamente en la producción de una obra desde el lenguaje de lo pictórico y en relación con el espacio arquitectónico disponible.
Los bordes del silencio:
"Una cortina abriéndose. Ese instante, no los siguientes (si se abre toda o se detiene), movimiento detenido que para el que mira sigue y sigue, es un borde, una frontera entre las tantas posibilidades del mostrar. Y estas obras que hoy les muestro son los bordes de un silencio que habita en la imposibilidad de decir más: más no pueden gritar las mujeres asesinadas hoy y que expusieron sus sábanas ayer, cincuenta son cincuenta cartas, todas siempre habitadas por alguna demanda (y toda demanda es de amor aunque preguntemos ¿qué hora es?) y tampoco puede decir más el papel carbónico que es todo potencia, todo posibilidad porque se convirtió en arte antes de ser escrito, aunque tuviera una existencia de más de treinta años. Cada obra es un grito desprendido o arrancado de algún silencio primordial y por eso es borde, porque allí se dice. Cincuenta cartas claman en la intimidad de un pabellón borravino por la fragilidad de un silencio que devino bodas de sangre. O tal vez, el simple encantarse de la mirada que resbala por la cortina para ver lo impreciso, eso ex-timo, mezcla de exterior e íntimo que lo desenfocado nos permite alcanzar para leer unas cartas llenas de pensamientos sin letras, descansando en los innumerables cortes de lo negro y ver la vida en rosa. ¿Oís a Edith Piaf?".

Virginia Bersabé
Del 15 de junio al 23 de julio

Virginia Bersabé (Córdoba, 1990) es una artista ecijana licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, donde realizó también el Máster Arte: idea y producción. Su trabajo pictórico, que va desde gouache sobre papel y pequeños cuadernos de viaje hasta grandes lienzos de más de dos metros, ha tenido como eje central a la mujer mayor, su relación con el espacio y las manifestaciones físicas y pictóricas de su memoria e identidad. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre las que se cuentan museos de tanto prestigio como el CAC de Málaga y el MEAM de Barcelona. Entre sus exposiciones individuales hay que mencionar las que ha realizado en el Ateneo de Sevilla, en la galería Box 24 (Argel), en Galería Besada (O Grove), en el Ateneo de Mairena del Aljarafe y en el espacio Nook (Málaga), y la más reciente con la galería Espacio Olvera de Sevilla. Así mismo, tiene proyectado realizar en los próximos años una serie de exposiciones individuales y colectivas con PDP Gallery, una galería de arte urbano y contemporáneo con sede en París. Hay que destacar también su participación en numerosas residencias artísticas y festivales, tanto en España como en el extranjero, entre las que están la Fundación Antonio Gala, en Córdoba; ARTifariti, en Sahara Occidental; International art residency en Santiniketan y Chitrashaala 2015, ambas en la India. Algunas de sus obras hacen parte de prestigiosas instituciones y colecciones, entre las que está la Universidad de Sevilla, la Fundación Antonio Gala, el Vaticano, la Birla Academy of Art and culture (Calcuta, India), el CAC de Málaga y el MEAM de Barcelona.

Asociación DAMARTE
Del 15 de junio al 23 de julio

El colectivo de artistas DAMARTE nos presenta bajo el titulo LIBERTAD Y MOVIMIENTO, una obra conjunta de más de 10 m, donde cada artista del colectivo participa en esta obra común para que lo individual desaparezca el yo y dar fuerza al nosotros. Nuestra exposición tiene como máximo exponente el movimiento, de ahí que tomemos como punto de referencia una parcela de un barrio cualquiera de nuestra ciudad: Fuenlabrada. Los edificios en sí mismos son un refugio de una multitud de vidas, las cuales discurren libres y paralelas, pero a la vez, forman parte de un todo, de un dinámico entramado social. Cada autor, en sintonía con lo anterior, dota a cada cuadro de una interpretación libre e individual que luego se encaja en un proyecto común: la obra final, en la que quedan insertas todas las obras. El cielo es un elemento de homogeneidad y cohesión. Sus colores predominantemente rojizos y anaranjados, le dotan de una poderosa fuerza, simbolizando el poder de los proyectos en común.

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